Roy Lichtenstein

Sobre la Obra “Girl with Hair Ribbon” : Pintada como un primer plano de una tira cómica de la década de 1950, esta obra muestra a una atractiva rubia de ojos azules, volviéndose hacia el espectador. Su glamour totalmente estadounidense y su expresión ansiosa sugieren una narrativa en la que ella es la heroína vulnerable en peligro. Pero a pesar de la accesibilidad de la imagen, es una suave parodia, así como un homenaje a la cultura contemporánea, pisando una delgada línea entre el arte comercial y las bellas artes. El famoso uso de Lichtenstein de la caricatura está en consonancia con el reciclaje de objetos encontrados y artículos domésticos comunes típicos del arte pop en la década de 1960. Ruscha fue el primero en apropiarse de la tira cómica, con Lichtenstein compuso sus imágenes de círculos diminutos que reproducen meticulosamente los puntos de Ben Day, una técnica de proyección utilizada en la impresión. También realizó esculturas y un mural de cinco pisos de altura para el vestíbulo del edificio Equitable Life Assurance en Nueva York.

Roy Lichtenstein fue uno de los artistas más influyentes e innovadores de la segunda mitad del siglo XX. Se lo identifica principalmente con el arte pop, un movimiento que ayudó a originar, y sus primeras pinturas completamente logradas se basaron en imágenes de tiras cómicas y anuncios y se representaron en un estilo que imita los toscos procesos de impresión de la reproducción de periódicos. Estas pinturas revitalizaron la escena artística estadounidense y alteraron la historia del arte moderno. El éxito de Lichtenstein fue igualado por su enfoque y energía, y después de su triunfo inicial a principios de la década de 1960, pasó a crear una obra de más de 5,000 pinturas, grabados, dibujos, esculturas, murales y otros objetos celebrados por su ingenio e invención.

Asistió a la Franklin School for Boys, una escuela secundaria y preparatoria privada, y se graduó en 1940. Ese verano estudió pintura y dibujo de la modelo en la Art Students League de Nueva York con Reginald Marsh. En septiembre ingresó en la Facultad de Educación de la Universidad Estatal de Ohio (OSU) en Columbus. Sus primeros ídolos artísticos fueron Rembrandt, Daumier y Picasso, y solía decir que Guernica (1937; Museo Reina Sofía, Madrid), entonces cedido por un largo tiempo al Museo de Arte Moderno, era su pintura favorita. Incluso cuando era estudiante, Lichtenstein objetó la noción de que un conjunto de líneas (los dibujos de una persona) “se consideraba brillante, y el de otra persona, que puede haberle parecido mejor, no era considerado por casi todos”. ^IEl cuestionamiento de Lichtenstein de los cánones aceptados del gusto fue alentado por Hoyt L. Sherman, un maestro que, según él, fue la persona que le mostró cómo ver y cuyo enfoque del arte basado en la percepción moldeó el suyo.

A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, Lichtenstein comenzó a trabajar en serie y su iconografía se extrajo de imágenes impresas. Su primer tema sostenido, pinturas y grabados íntimos en la línea de Paul Klee que se burlaban líricamente de los caballeros medievales, castillos y doncellas, bien pueden haberse inspirado en un libro sobre el tapiz de Bayeux. Luego, Lichtenstein echó una mirada irónica a las pinturas de género estadounidense del siglo XIX que vio en los libros de historia, creando interpretaciones cubistas de vaqueros e indios salpicadas de un capricho primitivo falso.

Al igual que con sus pinturas pop más famosas de la década de 1960, Lichtenstein gravitó hacia lo que caracterizaría como el elemento visual “más tonto” o “peor” que pudo encontrar y luego pasó a modificarlo o mejorarlo. En la década de 1960, el mundo del arte consideraba que el arte comercial estaba por debajo del desprecio; a principios de la década de 1950, con el surgimiento del expresionismo abstracto, la narrativa y las pinturas de género estadounidenses del siglo XIX estaban en el punto más bajo de su reputación entre críticos y coleccionistas. La paráfrasis, particularmente la paráfrasis de imágenes despreciadas, se convirtió en una característica primordial del arte de Lichtenstein. Mucho antes de encontrar su modo de expresión característico en 1961, Lichtenstein llamó la atención sobre el artificio de las convenciones y el gusto que impregnaban el arte y la sociedad.

A Lichtenstein se le ofreció el puesto de profesor asistente y comenzó a enseñar en Douglass en septiembre de 1960. En Douglass, Lichtenstein se vio envuelto en una vorágine de fermento artístico. Con los museos y galerías de Nueva York a una hora de distancia, y los colegas Geoffrey Hendricks y Robert Watts en Douglass y Allan Kaprow y George Segal en Rutgers, el medio ambiente no pudo evitar galvanizarlo. En junio de 1961, Lichtenstein volvió a la idea con la que había tonteado en Oswego, que consistía en combinar personajes de dibujos animados de cómics con fondos abstractos. Pero, como dijo Lichtenstein, “[se me ocurrió] imitar el estilo de dibujos animados sin la textura de la pintura, la línea caligráfica, la modulación, todas las cosas involucradas en el expresionismo”. Lo más famoso es que Lichtenstein se apropió de los puntos de Benday, el diminuto patrón mecánico utilizado en el grabado comercial, para transmitir textura y gradaciones de color, un lenguaje estilístico sinónimo de su tema. Los puntos se convirtieron en un dispositivo de marca registrada para siempre identificado con Lichtenstein y Pop Art. Es posible que Lichtenstein no haya calibrado la profundidad de su avance de inmediato, pero se dio cuenta de que el afecto plano y la presentación inexpresiva del panel de historietas explotado y reorganizado con la inflexión de Sherman “era mucho más convincente”  que el gesto. abstracción que había estado practicando.

Entre las primeras pinturas existentes en este nuevo modo, basadas en tiras cómicas e ilustraciones de anuncios, se encuentran Popeye y Look Mickey , a las que siguieron rápidamente The  Engagement Ring , Girl with Ball y Step-on Can with Leg.. Kaprow reconoció la energía y la radicalidad de estos lienzos y se las arregló para que Lichtenstein se los mostrara a Ivan Karp, director de la Galería Leo Castelli. Castelli era el principal marchante de arte contemporáneo de Nueva York y había organizado exposiciones emblemáticas de Jasper Johns y Robert Rauschenberg en 1958 y de Frank Stella en 1960. Karp se sintió atraído de inmediato por las pinturas de Lichtenstein, pero Castelli tardó más en tomar una decisión, en parte debido a de las raíces plebeyas de las pinturas en el arte comercial, sino también porque, sin que Lichtenstein lo supiera, recientemente habían llamado su atención otros dos artistas, Andy Warhol y James Rosenquist, y Castelli solo estaba preparado para uno de ellos. Después de algunas deliberaciones, Castelli eligió representar a Lichtenstein, y la primera exposición de las pinturas de cómics se llevó a cabo en la galería del 10 de febrero al 3 de marzo de 1962. El espectáculo se agotó e hizo famoso a Lichtenstein. En el momento de la segunda exposición individual de Lichtenstein en Castelli en septiembre de 1963, su trabajo se había exhibido en museos y galerías de todo el país. Por lo general, estaba agrupado con Johns, Rauschenberg, Warhol, Rosenquist, Segal, Jim Dine, Claes Oldenburg, Robert Indiana y Tom Wesselmann. En conjunto, su trabajo fue visto como una bofetada al expresionismo abstracto y, de hecho, los artistas pop desviaron la atención de muchos miembros de la Escuela de Nueva York. Robert Indiana y Tom Wesselmann.

Lichtenstein creó tres grandes series en la década de 1990, cada una de las cuales fue emblemática de su continuo interés por resolver problemas pictóricos. The Interiors, lienzos del tamaño de un mural inspirados en un minúsculo anuncio en una guía telefónica italiana, profundizan de nuevo en las ambigüedades perceptivas de los reflejos de ventanas y espejos. Los desnudos repiten el tema de las mujeres en un modo romántico-cómico, que Lichtenstein había introducido en la década de 1960 y amplificado en exuberantes escenas de playa de inspiración surrealista en la década de 1970. Al igual que con los interiores, hay una amplia cita de elementos de lienzos anteriores, los muebles del mundo pintado de Lichtenstein. También usó la serie para investigar la mezcla de claroscuro (que ideó con puntos y sombreado) con áreas planas de color. Este efecto fue llevado a un tono definitivo en sus Paisajes chinos, El encuentro final de Lichtenstein con una tradición artística monumental, y uno de los más sutiles. Las configuraciones de tierra, agua, montañas y aire que se encuentran en las pinturas y pergaminos de la dinastía Song se simulan mediante campos de puntos graduados que se desplazan suavemente. Ninguno de los contornos negros habituales de Lichtenstein define las formas monocromáticas, lo que realza la calidad contemplativa y abstracta de la serie.

En agosto de 1997, Lichtenstein enfermó de neumonía. Murió inesperadamente de complicaciones de la enfermedad el 29 de septiembre de 1997, a la edad de 73 años, en la ciudad de Nueva York.