Hélio Oiticica
Sobre la obra Bólide 18,B-331 (Homenaje a Cara de Cavalo):
La imagen de Cara de Cavalo, la activista política asesinada, conocida personalmente por Oiticica, recubre un pequeño contenedor. Cuando se abre, revela un texto y una bolsa de tierra roja. Además de un homenaje a un amigo muerto, la pieza es un homenaje a la revuelta social y un comentario metafórico sobre la disparidad entre lo personal y lo público, lo interno y lo externo. Considerado como el artista brasileño más influyente, Oiticica también es conocido por sus obras interactivas. Sus primeros relieves multicolores se colgaban para que el espectador pudiera caminar entre ellos, un tema que se desarrolló aún más en ambientes, como Eden y Tropicalia, que eran asaltos a gran escala a los sentidos, en los que el espectador, iluminado por luces de colores, se mezclaba con flora y fauna. Cosmococa, su instalación más controvertida, invitaba a los espectadores a tumbarse en la arena cubierta con láminas de plástico y ver un proyecto de diapositivas en el que se disponían líneas de cocaína sobre una imagen de Marilyn Monroe.
Biografía
Hélio Oiticica es ampliamente considerado como uno de los principales artistas brasileños del siglo XX y una piedra de toque para gran parte del arte contemporáneo realizado desde la década de 1960, principalmente a través de sus obras de arte libres y participativas, entornos performativos, películas de vanguardia y pinturas abstractas. Incluso antes de los 20 años, Oiticica fue un miembro clave del histórico Grupo Frente con sede en Río de Janeiro (1954-56), su juego radical con formas geométricas y colores vibrantes trascendió las líneas mínimas del constructivismo europeo e imbuyó su trabajo con un ritmo exuberante que resonaba con la música y la poesía de vanguardia de su Brasil natal. A fines de la década de 1950, Oiticica se convertiría en una figura destacada del neoconcretismo brasileño (1959-61) que incluía a otros artistas pioneros como Lygia Clark, Lygia Pape y el poeta Ferreira Gullar, dando lugar al movimiento artístico. conocido como Tropicalismo, llamado así por una obra de Oiticica de 1967.
Cada vez más, Oiticica se convirtió en una figura contracultural y un héroe clandestino, poniendo en primer plano la interacción corporal con las preocupaciones espaciales y ambientales por encima de la estética pura. “El arte ambiental”, escribió, “es el derrocamiento del concepto tradicional de pintura-marco y escultura, que pertenece al pasado. Da paso a la creación de ‘ambientes’: de ahí surge lo que yo llamo ‘antiarte’”, que luego definió como “la era de la participación popular en el campo creativo”. Esta práctica generosa y generativa se volvería muy influyente para las siguientes generaciones de artistas, especialmente sus Parangolés o ‘pinturas habitables’ y series de instalaciones que lo abarcan todo, conocidas como Núcleos (paneles geométricos colgados del techo que forman experiencias cromáticas graduales) y Proposiciones o Penetrables. (ambientes arquitectónicos laberínticos hechos de arena y cabañas semipermeables). Este enfoque suprasensorial continuó hasta su prematura muerte en 1980 a la edad de 42 años.
Hélio y el Tropicalismo
Tropicália es quizás mejor conocido como un movimiento en la música.
Era el nombre de una canción del célebre músico brasileño Caetano Veloso. También fue el título de un LP lanzado en 1968 con músicos experimentales como Gilberto Gil, Gal Costa y la banda psicodélica Os Mutantes.
Pero aunque a menudo se discute en relación con la música, el arte visual fue una parte importante del movimiento.
El nombre ‘Tropicália” fue acuñado por el mismo Hélio Oiticica. Lo usó para el título de una obra de arte que exhibió por primera vez en Río de Janeiro en 1967. La palabra pretendía jugar con los estereotipos de Brasil como un paraíso tropical.
Después de que Caetano Veloso tomara prestado el título de su canción, comenzó a usarse para definir el movimiento contracultural.
A mediados de la década de 1960, Hélio Oiticica comenzó a alejarse de la pintura sobre superficies planas. Empezó a hacer objetos y estructuras flexibles a los que llamó Parangolés .
Los Parangolés incluían capotes y estandartes. Eran obras de arte con las que la gente podía interactuar. Confeccionados con capas de tela pintada, plástico, esteras y cuerdas, fueron diseñados para usarse o sujetarse mientras se baila al ritmo de la samba. Algunas de las capas incluían mensajes poéticos o políticos que se revelaban dependiendo de cómo las usaba el usuario o cómo se movía.
Uno de los Parangolés de Hélio Oiticica © Projeto Hélio Oiticica
Tropicália , expuesta por primera vez en Río de Janeiro en 1967, es la obra participativa más conocida del artista.
Por un lado, es una versión irónica de la idea de Brasil como un paraíso tropical. Arena, palmeras, loros y coloridas estructuras improvisadas sugieren un estereotipo tropical de Brasil.
Pero este mundo falso y divertido también tiene un trasfondo político radical. Las estructuras se inspiraron en las favelas , las viviendas marginales de Río de Janeiro. En reacción al estricto régimen de la dictadura militar de Brasil, Oiticica abogó por el potencial radical de simplemente pasar el rato.
Todo lo que hacía Hélio era como la respuesta más radical
a la falta de libertad ya la falta de respeto por la libertad.
Caetano Veloso, músico
Tropicália fue diseñado para activar los sentidos de los visitantes (o ‘participantes’ como él prefería llamarlos), para estimular el sentimiento y la expresión.
Los visitantes están invitados a caminar descalzos en la arena, ver televisión o relajarse. Pueden interactuar con la instalación como lo deseen. Se fomenta la libertad de expresión y el libre pensamiento.
El legado de Oiticica y Tropicalia
Estaba empujando los límites de lo que el arte podía hacer y cómo podía liberar a la gente.
Michael Wellen, curador, arte internacional, Tate
Hélio Oiticica hizo un arte participativo e inclusivo. El público que acudió a su exposición en la Whitechapel Gallery de Londres en 1969 no eran los visitantes habituales de la galería. Incluían hombres de negocios que querían relajarse en sus pausas para el almuerzo y niños locales que jugaban en la arena. Asegurar que todos puedan involucrarse, al mismo tiempo que sensibilizar sobre temas relacionados con la libertad y la sociedad, define el trabajo de Oiticica.
Muchos artistas que trabajan hoy en el siglo XXI están haciendo cada vez más arte que es igualmente participativo y socialmente consciente. Esto a menudo se denomina arte socialmente comprometido o práctica socialmente comprometida .
Artistas como Theaster Gates , Tania Bruguera y Assemble colaboran con grupos de personas para darles voz, ayudarlos a mejorar sus vidas o simplemente compartir ideas y crear arte con ellos. Las personas están en el centro del trabajo. La práctica socialmente comprometida también se asocia a menudo con el activismo porque destaca y responde a problemas sociales y políticos.
Cuando murió en 1980 a la edad de 42 años, Hélio Oiticica dejó una obra extraordinaria que fue innovadora, inteligente y atractiva. Pero quizás su legado más importante fue que puso a las personas en el centro del arte.
