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Por qué recordamos a Vermeer el 12 de Noviembre?

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Hoy se rinde homenaje al pintor holandés Johannes Vermeer, un artista barroco fundamental que es ampliamente considerado entre los más grandes pintores holandeses de todos los tiempos. Un día como hoy, un 12 de noviembre de 1995, se inauguró una exposición homónima en la Galería Nacional de Arte de Washington D.C., con 21 de sus 35 obras existentes, un evento muy importante. Johannes Vermeer nació en Delft, Países Bajos, en el apogeo de la Edad de Oro holandesa en 1632. Aunque se sabe poco sobre la vida temprana de Vermeer, los historiadores estiman a partir de sus primeras pinturas mitológicas que primero aspiró a ser un pintor histórico.

Si bien Vermeer disfrutó de un flujo de efectivo decente por la venta de su arte durante su vida, trabajó lentamente y la mayoría de sus patrocinadores eran familiares, amigos y otros lugareños. Después de una crisis financiera en 1672, se vio obligado a subastar la mayoría de sus posesiones terrenales para pagar las crecientes deudas. Fue casi olvidado por el mundo del arte en los años posteriores a su muerte en 1675. Su obra más famosa, La joven de la Perla , se vendió por solo dos florines en una subasta en 1881.

Hoy, por supuesto, Vermeer es la definición misma del logro de convertirse en Gran Maestro. Pero, ¿cuál es su  mejor trabajo? Examinamos las 10 obras más populares y buscadas del artista (según su clasificación en Google Imágenes). A continuación, ofrecemos nuestra visión subjetiva de lo que las hace geniales y por qué  La joven de la perla  no es, de hecho, la mejor Vermeer de todos los tiempos.

10. La encajera (1669-1670)

La Hilandera | Óleo sobre tela | 24,5 × 21 cm | 1670-1671

Representando a una mujer en profunda concentración, inclinada sobre su trabajo artesanal con bolillos y alfileres en la mano, La encajera es una rareza en la obra de Vermeer. Es su obra más pequeña, mide un diminuto veintitrés por veinte centímetros, y sólo una de las dos pinturas que hizo sobre un panel de madera (la otra es La chica del sombrero rojo ).

Es, por supuesto, encantador. Pero lo que lo coloca al final de nuestro ranking es la iluminación muy extraña, inusual para un artista conocido por el dominio de la luminiscencia.

“[E] n The Lacemaker light se organiza de maneras contradictorias, tanto en el nivel de su interpretación en la pintura como en el nivel de percepción”, señala la historiadora del arte Kathryn A. Tuma en un ensayo sobre la pintura. “Si bien en el ámbito visual de lo cotidiano esto no sería necesariamente un problema, ya que nuestra visión tiene pocos problemas para acomodar múltiples fuentes de luz, en una imagen pintada tales ambigüedades juegan con nuestra capacidad para reconocer una imitación persuasiva de un espacio ilusionista”.

9. La procuradora (1656)

La procuradora, 1656. Imagen Wikimedia Commons

Representando una escena del llamado “amor mercenario”, también conocido como trabajo sexual, esta puede ser la pintura más obscena de Vermeer. De hecho, una escena de solicitación estaba tan fuera de la norma para Vermeer que muchos dudaban de que realmente la pintara, a pesar de que los estudiosos sospechan que el músico de la extrema izquierda es un posible autorretrato.

También lleva la firma de Vermeer. Lo que le falta, sin embargo, es su delicadeza de iluminación característica: tres de las cuatro figuras están en gran parte proyectadas en una penumbra oscura, mientras que la cortesana está bañada en una luz intensa y brillante que ilumina groseramente sus mejillas excesivamente coloreadas.

Por supuesto, se puede argumentar que este efecto de iluminación inusual tiene un propósito, al igual que el historiador Edward Snow. Hablando del hombre medio iluminado que busca a la prostituta, Snow escribe en su libro Un estudio de Vermeer : “[Él] e trabaja como una figura de transición: mediando entre la figura envuelta y la mujer, uniendo las regiones de oscuridad y luz, cruzando sobre el mundo de sus compañeros, su rostro todavía medio ensombrecido, para disfrutar de su brillante presencia, no un invasor sino una barrera protectora para el oscuro interés en ella “.

Sin embargo, este es uno de los Vermeers más importantes que existen.

8. Niña con un pendiente de perlas (1665)

Johannes Vermeer, La joven de la perla (ca. 1665). Imagen: Wikimedia Commons.

La joven de la perla es una de las pinturas más emblemáticas de Vermeer y una de las pinturas más famosas del mundo.

De hecho, parte de los encantos de la niña , cuando se abstrae de toda la leyenda que la rodea, es cuán insignificante y libre de simbolismo narrativo es, resonando con una estética instantánea contemporánea. Si bien se ha construido un gran romance en torno a la misteriosa joven en su centro, La joven de la perla  era parte de un género ahora olvidado llamado “tronie”, es decir, una imagen que no pretende ser un retrato, sino simplemente ilustrar un tipo de stock.

El aspecto informal y por encima del hombro del modelo que le da a la obra tanta personalidad es en realidad una pose estándar utilizada por los pintores holandeses para transmitir profundidad tridimensional. El sombrero de fantasía, que da tal sensación de romance, es un disfraz deliberado; el pendiente de perlas es, esencialmente, bisutería.

Ese fondo negro audaz, que concuerda muy bien con la estética fotográfica de estudio actual, era en realidad un tropo que Vermeer solía evitar. ¿Por qué? Porque Vermeer, obsesionado por la luz, era bien conocido por recortar figuras contra paredes blancas, lo que le permitió el juego de sombras matizado por el que es tan venerado. (Según el curador de la Galería Nacional Arthur K. Wheelock Jr., entre los más destacados eruditos de Vermeer, La joven de la perla es una de las dos únicas obras que el artista realizó con un fondo similarmente oscuro; la otra es  Retrato de una mujer joven , realizada casi al mismo tiempo.)

7. Mujer de azul leyendo una carta (1662-1665)

Johannes Vermeer, Mujer de azul leyendo una carta (1663-1664). Imagen: Wikimedia Commons.

Mujer de azul leyendo una carta está llena de patetismo gracias a su iluminación cambiante. Proyectada en una penumbra sombría que se asemeja a la seda azul de su abrigo, una mujer está de pie leyendo una carta, con los labios entreabiertos, como si lo que ha leído la desconcierta. Muchos creen que el mapa que cuelga en la pared detrás de ella sugiere un amante distante por el que suspira (o lamenta). Es una manera maravillosamente sugerente de abrir esta imagen fija a una narrativa más amplia.

Tampoco se pierda cómo la iluminación del cuadro también cuenta una historia, como señala Wheelock : “La luz proviene de dos fuentes, creando sombras primarias y secundarias suavemente difusas en la pared junto a la silla detrás de la mesa. Con las cualidades ópticas de su luz consciente, Vermeer … manipula el flujo de luz de manera bastante arbitraria por razones de composición. Por ejemplo, mientras que la silla y el mapa proyectan sombras, la mujer, que parece estar bastante cerca de la pared, no lo hace. Vermeer la separa así del marco temporal de la habitación y, en el proceso, realza el sentido de permanencia que impregna la escena “.

La fuerza de la obra es su cruda seriedad emocional. Pero carece del simbolismo bravura de algunos de los otros interiores de Vermeer, lo que explica por qué no está más arriba en nuestra lista.

6. The Little Street (1657-1661)

Johannes Vermeer, The Little Street (ca. 1657-1661). Imagen: Wikimedia Commons.

Esta descripción de lo que sucede en un callejón de Delft es decididamente prosaica a primera vista, y probablemente no tiene el toque de drama humano que  La Procuradora o La mujer de azul leyendo una carta  tienen para ofrecer. De hecho, su tema no es nada romántico: las tareas domésticas.

Hay que mirar de cerca para captar lo que se ha alabado durante mucho tiempo sobre la pintura: sus detalles intensamente renderizados. De hecho, la nítida intimidad de los detalles arquitectónicos se siente tan vívidamente representada que ha surgido un debate sobre si el callejón en cuestión es un lugar real o un compuesto.

En nuestra mente, probablemente no sea una coincidencia que dos de las figuras estén perfectamente enmarcadas por puertas, como si fueran marcos de cuadros reales, dando una sensación de elevación artística a este tema cotidiano. Y como Anthony Bailey ha argumentado en su libro sobre Vermeer , la imagen de las mujeres haciendo el trabajo diario y rutinario de mantener su mundo se combina con el detalle arquitectónico para agregar un mensaje más amplio: “El tiempo, se detuvo por este instante y por lo tanto en un sentido de la eternidad, parece ser su tema esencial. Su desgaste es visible en los ladrillos y la argamasa, el tejido de hecho que sin rodeos sustenta nuestro tenue y temporal control de la existencia con sus muchas preguntas sin respuesta, como ‘¿Qué estamos haciendo aquí?’ ”

Para ser justos, ese significado que toma un poco de tiempo para comprender, por lo que esta pintura pierde nuestros cinco primeros. Lo que me lleva a …

5. La lechera (1654-1658)

Johannes Vermeer, La lechera (ca. 1660). Imagen: Wikimedia Commons.

La lechera  se ubica en el medio de nuestra clasificación, lo cual es apropiado porque a menudo se considera un punto de inflexión entre los estilos tempranos y maduros de Vermeer.

La escena parece casi fotográfica, y muchos estudiosos suponen que fue en esta época cuando Vermeer comenzó a incorporar la tecnología de captura de imágenes en su práctica para comprender mejor los efectos de la luz, como señaló H. Perry Chapman en su ensayo “ Mujeres en El hogar de Vermeer: ​​mimesis e ideación “. “El manejo de la pintura en La Lechera , específicamente la luz brillante sobre el pan crujiente, y sus colores saturados se han tomado como evidencia del estudio científico cercano de Vermeer de la visión y de los efectos de la cámara oscura”, escribe.

Los efectos son geniales: en una cocina con poca luz, una sirvienta vierte leche en una palangana; el mostrador está lleno de pan, cuyas costras (junto con su frente reluciente) están tiernamente resaltadas por la luz del sol. Vermeer ya no se basa en un claro claroscuro para crear esta luminiscencia matizada. En cambio, esta orquestación virtuosa de luz y color se logra mediante el uso de colores primarios alternos y zonas de luz y sombra.

4. Mujer en equilibrio (1662-1665)

Johannes Vermeer, Mujer sosteniendo una balanza (ca. 1664). Imagen: Wikimedia Commons.

Creada en el período de madurez de Vermeer, la composición y la iluminación de esta pintura son magníficamente, bien equilibradas. Una mujer vestida con una chaqueta azul con ribete de piel se encuentra en una mesa en un rincón de una habitación oscura. Un suave rayo de sol desde una ventana a la izquierda divide en diagonal la pintura, resaltando sus manos, que sostienen una balanza en equilibrio mientras pesa sus joyas esparcidas sobre la mesa.

Sin embargo, el equilibrio entre la luz y la oscuridad en esta pintura es más que agradable visualmente: significa algo, que es lo que realmente lo coloca en nuestro nivel superior. Vermeer usa el contraste aquí para contar una historia de vanidad y virtud, placeres mundanos y moralidad divina, razón por la cual Woman Holding a Balance se ubica en el número cuatro.

En su libro, Un estudio de Vermeer , Edward Snow rompe el simbolismo: “Una gran pintura barroca del Juicio Final cuelga de manera llamativa en la pared trasera de la habitación, ubicando a la mujer dentro de un marco de referencia apocalíptico y contrapuntando su gesto. La luz que la ilumina irrumpe en el cuadro desde arriba, rodeándola de lo que a primera vista puede parecer ominoso, de sombras invasoras … Frente a la violenta agitación barroca del cuadro que tiene a sus espaldas, la mujer afirma una calma tranquila e imperturbable, la quintaesencia de la obra de Vermeer. visión.”

3. Chica con sombrero rojo (1665-1666)

Johannes Vermeer, Chica con sombrero rojo (hacia 1665-1667). Imagen: Wikimedia Commons.

Este es otro “tronie”, como  La joven de la perla , y además una de las obras más pequeñas de Vermeer. Actualmente en la colección de la Galería Nacional de Arte, comparte mucho con su primo más famoso, desde la mirada por encima del hombro hasta el disfraz extravagante. Entonces, ¿por qué está en la parte superior de nuestra lista?

Por un lado, todos los detalles, desde ese dramático parche de luz en la cara hasta la forma en que todas las texturas se combinan entre sí, realmente se juntan. Vemos a Vermeer haciendo lo que mejor sabe hacer.

Dejaremos que Walter Liedtke defienda la sutil grandeza de su configuración en Vermeer: ​​The Complete Paintings.: “Para un pintor que sobresaliera en la observación de la luz difícilmente había un vehículo más adecuado que un tema como éste, con sus comparaciones de piel, seda y perlas, labios húmedos (su color realzado por el sombrero), suaves y tejidos lisos, todas las superficies brillantes contrastadas con los tonos más apagados y la textura más rugosa del tapiz, que además de sus colores complementarios aporta formas simpáticas como las líneas curvas que descienden del rostro a la mano, el cierre a modo de cortina de la parte superior izquierda esquina y el borde que enmarca el lado derecho de la imagen. Del mismo modo, los remates de cabeza de león, además de mostrar el talento del artista para describir los efectos de la luz, se colocan con la mirada puesta en su efecto sobre la figura, a la que se le otorga una zona de espacio y una estabilidad que de otra manera no tendría. ”

En otras palabras, Chica con sombrero rojo  te brinda todo lo que amas de La joven de la perla: la sensación de misterio indefinible, las telas magníficamente observadas, la calidad fotográfica aturdida, y luego te brinda mucho más. Por nuestro dinero, eso lo convierte en uno de los mayores logros de Vermeer.

2. El arte de pintar (1666)

Johannes Vermeer, El arte de pintar (1666). Imagen: Wikimedia Commons.

Se llama El arte de la pintura y, de hecho, se encuentra en la cima de cualquier lista que celebre el arte de la pintura.

La obra resulta ser una de sus obras más grandes (aproximadamente 40 por 47 pulgadas), pero también es la más ambiciosa intelectualmente: la pintura donde Vermeer despliega completamente la inteligencia detrás de todas sus otras obras. La escena representada es increíblemente meta: una mujer que encarna a la musa de la historia, Clio, modela para un artista en su caballete, que apenas comienza a pintarla.

Como argumenta Eric Jan Sluijter, Art of Painting de Vermeer está destinado específicamente a mostrar la superioridad de su propio medio sobre otras formas de arte:

“Vermeer parece indicar que las otras artes pictóricas … son inadecuadas en su imitación de la naturaleza; estos productos siempre se verán como un trozo de piedra o arcilla tallada, un trozo de papel con líneas o una tela tejida, mientras que la pintura puede incluso imitar esas obras de arte, mientras que lo contrario es imposible de lograr. Sólo la pintura puede crear la ilusión de un espacio perfectamente convincente lleno de luz, de todos esos diferentes tipos de materiales, sustancias y textiles, y de la figura humana en su forma más bella y transitoria, la de una mujer joven ”.

El arte de pintar lo pone todo sobre la mesa. Literalmente descorre el telón del estudio del artista. Es uno de los mayores actos de equilibrio artístico de todos los tiempos, que coordina perfectamente un sentido de artificio con un sentido de naturalismo.

1. Vista de Delft (1660–63)

Johannes Vermeer, Vista de Delft (1660-1661). Imagen: Wikimedia Commons.

El arte de la pintura puede tratar sobre la supremacía de la pintura, donde todas las partes intrincadas del arte de Vermeer se unen como una potente alegoría. Pero  View of Delft es donde, en el nivel más elemental, el artista simplemente demuestra esta supremacía, eliminando toda esa complejidad hasta sus fundamentos.

La imagen tiene una calidad casi inocente. Se ha hablado mucho del uso innegable del artista de su ayuda óptica favorita, una cámara oscura, para representar con precisión el horizonte de su ciudad natal. Sin embargo, lo más conmovedor de esta vista son sus idiosincrasias: el artista parece haber cambiado los edificios ligeramente, más notablemente en la sección larga de la Puerta de Rotterdam, para hacer que la ciudad se sienta menos apretada, más acogedora.

A nivel puramente pictórico, en una obra conocida por los íntimos dramas de luz en el interior, destaca esta pintura. En En busca del tiempo perdido , de Marcel Proust , el narrador describe la pintura como “más llamativa, más diferente de cualquier otra cosa que conocía”. El resultado es, sin excepción, el paisaje urbano más memorable del arte europeo y, para nosotros, el mejor de Vermeer.

 

(vía: Newsartnet.com)

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